Yeo Dongchan

Yeo Dong Chan’s journey embodies the fusion of business acumen and artistic passion. As a former director at a Samsung Group affiliate and later the founder of an investment company, Yeo navigated the corporate landscape with finesse. However, beneath his businessman facade lay an aspiring artist, nurtured by childhood dreams of creation. Like Paul Gauguin, who transitioned from securities dealer to celebrated painter, Yeo’s artistic talents transcended his professional pursuits.
Despite societal and familial expectations steering him towards business administration, Yeo’s heart remained tethered to the realm of art. In his spare moments, he retreated to his studio, channeling his innermost aspirations onto canvas. Those acquainted solely with his corporate persona were astounded upon encountering his remarkable artwork, which exuded the sophistication of a seasoned painter.
As Yeo’s artistry blossomed, so did his commitment to nurturing emerging talents and bolstering the art industry. In his role as CEO of an investment company, he strategically invested in art ventures, championing the growth of younger artists and innovative projects. His dual roles as businessman and artist underscore the intertwined nature of his journey, wherein each pursuit enriches the other.
“Waiting for a Train” heralds the dawn of Yeo’s late-in-life artistic career, a testament to the enduring belief that it’s never too late to chase one’s dreams. Like a train station bustling with arrivals and departures, life offers myriad opportunities for reinvention and renewal. For those who fear they’ve missed their chance, Yeo’s story serves as a poignant reminder that the next train is always on the horizon, ready to carry passengers towards their destinies when they’re ready to embark.

여동찬
여동찬의 여정은 비즈니스 통찰력과 예술적 열정의 융합을 구현합니다. 전 삼성그룹 계열사 이사, 이후 투자회사 창업자로서 여씨는 기교 있게 기업 환경을 헤쳐나갔습니다. 그러나 그의 사업가적 외관 뒤에는 어린 시절의 꿈인 창조에 대한 꿈을 키워온 야심찬 예술가가 있었습니다. 증권 딜러에서 유명한 화가로 변신한 폴 고갱처럼, 그의 예술적 재능은 그의 직업적 추구를 뛰어넘었습니다.
사회적, 가족적 기대가 그를 경영학으로 이끌었음에도 불구하고 그의 마음은 여전히 예술의 영역에 묶여 있었고, 여가 시간에 그는 스튜디오로 돌아가 자신의 가장 깊은 열망을 캔버스에 담았습니다. 그의 기업 페르소나만 잘 알고 있던 사람들은 노련한 화가의 세련미가 물씬 풍기는 그의 놀라운 작품을 보고 깜짝 놀랐습니다.
작가의 예술성이 꽃피우면서 신흥 인재를 육성하고 미술 산업을 강화하려는 그의 의지도 커졌습니다. 그는 투자 회사의 CEO로서 아트 벤처에 전략적으로 투자하여 젊은 예술가의 성장과 혁신적인 프로젝트를 주도했습니다. 사업가이자 예술가로서의 그의 이중 역할은 그의 여정의 서로 얽힌 성격을 강조하며, 각각의 추구는 다른 추구를 풍요롭게 합니다.
“기차를 기다리며”는 작가의 노년 예술 경력의 서막을 알리는 작품으로, 꿈을 쫓기에 너무 늦은 때는 없다는 지속적인 믿음을 보여주는 작품입니다. 사람들의 도착과 출발로 분주한 기차역처럼 인생은 재창조와 갱신을 위한 무수한 기회를 제공합니다. 기회를 놓쳤다고 걱정하는 사람들에게 여씨의 이야기는 다음 기차가 항상 지평선 위에 있으며 승객들이 출발할 준비가 되면 목적지를 향해 데려갈 준비가 되어 있다는 사실을 가슴 아프게 상기시켜 줍니다.

BOYANE

Boyane Zelechowski (AKA “Boyane”) is Seoul-based graffiti artist who has proven himself a significant influence on Korea’s international graffiti scene. Originally from France, Boyane brought a fresh perspective to the Korean streets when he moved to Seoul with his Korean wife over a decade ago, captivating audiences with his vibrant illustrations and a skillful interplay of contrasting colors. His work seamlessly integrates with the historical charm of Seoul’s streets, buildings, and exterior walls, quickly establishing Boyane as a leading figure in Korea’s street art scene.

While initially influenced by European subcultures, Boyane’s artistic evolution took an intriguing path as he immersed himself in Korean culture. His distinctive style, characterized by intricate patterns and oriental hues, effortlessly evolved to incorporate Korean traditional elements, reflecting the cultural richness of his adopted home. Boyane continues to take on new challenges based on his innate artistic sense and illustration ability, and in addition to murals, has participated in numerous international exhibitions, illustrations, and corporate projects.

10년전 한국인 아내와 결혼하며 한국 스트리트 아트씬에 나타나, 유럽 언더그라운드 카툰풍의 그래피티를 유행시키며 한국에 일러스트 그래피티, 외국인 그래피티 아티스트 시대를 연다. 그의 강렬한 일러스트 그리고 이와 대비되는 절제된 색체 구성은 서울의 오래된 거리, 건물, 외벽들과 묘한 조화를 이루며 단숨에 그를 한국을 대표하는 스트리트 그래피티 아티스트의 한 사람으로 올려놓았다.
프랑스 태생인 보얀 작가는 유럽의 서브컬쳐 스타일의 작업을 주로 하였는데, 동양적 색체와 캐릭터가 엉겨 패턴처럼 보이는 특유의 작품 스타일은 한국에 거주하며 자연스레 한국의 전통적 패턴과 오브제를 차용한 스타일의 작품들로 나아가게 해 주었다. 그는 타고난 예술적 감각과 일러스트레이션 능력을 바탕으로 작품의 새로운 도전을 이어가며, 벽화 외에도 다수의 전시 및 일러스트레이션, 기업 프로젝트 등에 참여하고 있다.

Cjroblue

“Capturing the Nobel Values of Everyday Life”

With a career that spans nearly two decades, Choi Jung Hyun (aka CJroblue) is a celebrated illustrator and artist whose contributions to NFT history in Korea is nothing short of indispensable. Drawing inspiration from the rich tapestry of daily life in Seoul, CJroblue masterfully captures fleeting moments often overlooked by busy city-goers, and channels them into emotionally charged artworks that force us to linger on the small things.
At the heart of CJroblue’s artistic endeavors is a mission to convey healing and comfort to viewers about their own everyday lives. Through his artwork, he unveils the sublime beauty hidden within the ordinary, and invites audiences to explore the emotions, memories, and connections that lie hidden just beneath the surface. In doing so, he hopes we can see the small things more clearly, and each other with greater interest and empathy.
Beyond his own art, CJroblue boasts an impressive collaboration history with numerous domestic and global brands, including contributing illustrations for Warner Bros Korea’s “Harley Quinn: Birds of Prey” as well as Hyundai, Rolls-Royce, LG subsidiaries, Adobe, Toyota, Samsung, and more.

최정현(CJroblue)

“일상의 고귀한 가치를 담아내다”

CJroblue라 불리는 최정현 작가는 지난 20년 가까이 한국에서 스타 일러스트레이터이자 작가로 활동해 오며 한국의 NFT 역사에서도 빼놓을 수 없는 아티스트입니다. 우리들의 ‘일상’ 혹은 도시에서의 하루하루에서 주로 영감을 얻으며 살아가면서 누구나 겪지만 흔히 넘길 수 있는 근본적인 감정의 순간을 기록하듯 작품으로 담아냅니다. 또한 보이는 것 너머의 진정한 가치와 변하지 않는 아름다움의 위대함을 발견하고 찾아서 작품을 통해 전달하고자 많은 노력을 합니다.
감상자들에게 힐링과 위로를 전하고 싶어하는 최정현 작가의 작품은 그 만의 주제와 독보적 화풍으로 감상자들 자신의 경험을 작품에 대입시키게하여 감정이 움직이고 ‘공감’이라는 울림을 줍니다. 그래서인지 그의 작품은 체온의 온도가 느껴지듯 작품이 따뜻합니다.
또한, 최정현 작가는 다수의 국내 및 해외 글로벌 회사들과 브랜드들 등과 화려한 콜라보레이션 경력이 있습니다. 워너 브라더스 코리의 버즈 오브 프레이(Harley Quinn: Birds of Prey)의 홍보용 일러스트 작품과 현대자동차, 롤스로이스, LG 계열사 홍보용 작품, Adobe, 도요타, 삼성, 한국의 유명 뮤지션들 앨범 표지 작품까지 모두 열거하기 어려울 정도의 화려한 경력을 가지고 있습니다.

YRAPIC

Yeorae aka “YRAPIC” (a combination of her name and “graphic”), is a renowned digital collage artist known for blending unrelated objects into captivating harmonious visuals called “YRAPIC” characterized by vibrant colors that evoke tranquility and daydreams. YRAPIC’s portfolio extends beyond personal projects to encompass high-profile collaborations, including album covers, graphic posters, and brand key visuals, making her a sought-after illustrator and artist by global brands and musicians.
Today, YRAPIC continues to share her unique artistic vision with the world, infusing a touch of fantasy and dreaminess into everyday scenes. YRAPIC’s venture into the NFT world adds a new dimension to her art, allowing enthusiasts to own a piece of these extraordinary creations. With a rich portfolio of meticulously crafted works, YRAPIC remains a prominent figure in the digital art realm, leaving an indelible mark with each creation.
In some of my recent paintings part of the composition is located on the sides of the stretcher. Often these are the brightest fragments, done using reflexive paint, that cast light on the surface around the painting and seem to vibrate on the periphery of our vision, as if some memory or emotion hidden in the subconscious but affecting us and oursurroundings.”

여래(일명 “YRAPIC”(여래와 그래픽의 조합))는 평온함과 백일몽을 불러일으키는 생동감 넘치는 색상이 특징이며 관련 없는 사물을 매혹적인 조화로운 비주얼로 혼합하는 것으로 유명한 디지털 콜라주 아티스트입니다. YRAPIC의 포트폴리오는 개인 프로젝트를 넘어 앨범 커버, 그래픽 포스터, 브랜드 키 비주얼 등 세간의 이목을 끄는 콜라보레이션까지 포괄하여 그녀를 글로벌 브랜드와 뮤지션이 선호하는 일러스트레이터이자 아티스트로 만들고 있습니다.
오늘날 YRAPIC은 일상적인 장면에 환상과 몽환적인 느낌을 불어넣으며 자신의 독특한 예술적 비전을 전 세계와 계속 공유하고 있습니다. NFT 세계로의 YRAPIC의 모험은 그녀의 예술에 새로운 차원을 추가하여 애호가들이 이러한 특별한 창작물을 소유할 수 있게 해줍니다. 세심하게 제작된 풍부한 작품 포트폴리오를 갖춘 YRAPIC은 각 창작물에 지울 수 없는 흔적을 남기며 디지털 아트 영역에서 여전히 저명한 인물로 남아 있습니다.
최근 그림 중 일부에서는 구도의 일부가 들것 측면에 위치해 있으며, 반사 페인트를 사용하여 만든 가장 밝은 조각인 경우가 많으며 그림 주위의 표면에 빛을 투사하고 우리 시야 주변에서 진동하는 것처럼 보입니다. 마치 잠재의식 속에 숨겨져 있지만 우리와 주변 환경에 영향을 미치는 어떤 기억이나 감정처럼 말입니다.

DONGZADONGWHI (동자동휘)

Strike a pose! On the surface, the frenetic characters and colors who inhabit Korean artist DONGZADONGHWI’s work are dramatic enough to turn heads in busy traffic. But one double-take reveals a whole ecosystem of emotions roiling beneath the surface. As a millennial on the cusp of South Korea’s tidal wave of global influence, DONGZADONGHWI’s childhood was tumultuous, but it was still a childhood rooted in the 90s nevertheless. Thus, a fascination with rock and roll idols developed, the more rebellious the better. From Japan’s Hide to England’s David Bowie and back again to native Korean rock star SeoTaiji, these solitary figures loomed larger, louder, and more colorful than life itself to the young artist- and their styles, attitudes, and even poses still strut beneath the strokes of his artwork today. Yet, they are also in conversation with the patterns and images found in traditional Korean folklore, the kind of stories filled with hope that are so often told to boys and girls who cannot go to sleep at night. Given this context, the frequent motif of a bird is a fitting choice for an artist who approaches each work like a chapter in a bildungsroman, mixing equal parts childlike wonder with reckless teenage abandon to produce something that yearns to break free and take flight upon a global stage. As a video artist since 2015, DONGZADONGHWI enjoys collaborating with musicians and his progression to the realm of web3 was a natural one- his thirst for color only rivaled by his search for life’s meaning beyond mediums, from painting to sculpture and now NFTs.

DONGZADONGHWI 작가는 그림부터 영상, 오브제 등을 작업하는 작가입니다. 그는 한국에서 태어나 미술 교육을 정식으로 받은 적은 없지만, 어린 시절 그림을 그릴 때의 즐거움 그리고 영화, 만화, 음악 등 다양한 예술에 대한 탐닉이 그를 작가로 이끌었다고 합니다.
DONGZADONGHWI 작가의 작품은 원색의 색감과 움직임이 느껴지는 듯한 역동적인 에너지를 특징으로 합니다. 그의 작품에는 극적인 동작을 펼치는 인물 군상이나 다양한 포즈의 인물에 포커싱한 인물 뒤로 다채로운 색의 배경이 펼쳐집니다.
그가 이런 작품 세계를 갖게 된 데 가장 큰 영향을 준 것은 음악과 어린시절의 경험입니다. 90년대 한국의 힙합스타 SeoTaiji 일본의 락커 Hide 그리고 David Bowie를 좋아하던 그의 작품에는 이러한 음악들의 색체가 묻어나고 작가는 이들의 붉은 머리색을 좋아해서 즐겨 사용하는 색상이 되었습니다. 또 그는 민화에서 볼 수 있는 화려한 문양과 상징에서도 영향을 받아, 감정을 교감하는 매개체로 ‘새’의 이미지를 자주 표현합니다. 또 어린시절 어려웠던 가정 환경으로 일찍부터 다양한 일을 하며 접한 여러 경험들 그리고 어려움 가운데 어머니에게 받은 긍정성은 그의 작품에 여러 형태로 투영되었다고 합니다.
DONGZADONGHWI 는 순수예술 작가로 활동하며 2015년부터 해오던 영상 작품들을 통해 2021년 NFT Artist 로 데뷔하였고 이때부터 전업 작가로 활동하기 시작했습니다. 여러 차례의 그룹전과 2차례의 개인전을 개최하며 뮤지선 및 NFT 프로젝트들과 콜라보레이션 작업을 이어오고 있습니다.

ANKA

Minjung Kang (ANKA)
Embarking on an unconventional creative journey, Minjung Kang (ANKA) transitioned from a forced University degree to the pursuit of art, driven by a profound desire to express herself. As her skills grew and she began to navigate solo and group exhibitions around Korea, ANKA grappled with the pressure to assign meaning to her work. After seeing the dark and heavy metaphors of her peers, she recognized burnout and vowed to redefine her creative focus in more subtle, nuanced ways – which led to her move to Jeju Island. While there, she delved into the changes and imaginations of small elements in daily life, providing a respite from the complexities of existence. Now a parent of two, ANKA’s work has never been stronger, or better received. This exploration, reminiscent of childhood wishes and the imagination of solitude, is evident in a desire to showcase work that resonates quietly, avoiding the clamor of loud noise and heavy metaphors. Through her work, ANKA aims to capture moments akin to discovering a shy little romance at the table next door or experiencing a subtle commotion, emphasizing the great meaning found in fleeting moments—a testament to the joy in simplicity and humor.

강민정 (ANKA)
색다른 창의적인 여정을 시작한 ANKA는 자신을 표현하려는 깊은 열망에 힘입어 떠밀리듯 정한 대학 학위에서 본인이 정한 미술전공으로 전환했습니다. 그녀의 예술적 감각이 성장하면서 개인전 및 그룹 전시회를 진행하면서 ANKA는 자신의 작업에 의미를 부여해야 한다는 압박감과 씨름했습니다.
동료들의 어둡고 무거운 모습을 본 후, 그녀는 번아웃을 경험하고, 자신의 창의적 초점을 보다 나도, 다른 사람들도 조금은 편하게 받아들일 수 있는 작업으로 재정의하겠다고 다짐했고, 이것이 그녀를 제주도로 이주하게 만들었습니다. 그곳에서 그녀는 일상의 작은 요소들의 변화와 상상을 탐구하며 존재의 복잡함에서 벗어나 휴식을 제공합니다.
이제 아이의 부모가 된 ANKA의 작업은 그 어느 때보다 강력하고 더 나은 평가를 받았습니다. 어린 시절의 소망과 고독에 대한 상상을 연상시키는 이러한 탐구는 시끄러운 소음과 무거운 은유를 피하고 조용히 울려 퍼지는 작품을 선보이고자 하는 열망에서 분명하게 드러납니다.
ANKA는 작업을 통해 옆집 테이블에서 수줍은 작은 로맨스를 발견하거나 미묘한 동요를 경험하는 것과 유사한 순간을 포착하는 것을 목표로 하며, 단순함과 유머의 기쁨에 대한 증거인 찰나의 순간에서 발견되는 큰 의미를 강조하며 표현하고 있습니다.

CHAE TONGYULL (최동열)

With a color palette as rich as his life story, the works of Chae Tongyull are steeped in literary symbolism and rooted in a deep appreciation for romantic adventure. Born in Busan amidst the Korean war of the 1950s, Chae has travelled the world, eventually seeking his fame and fortune within the U.S. In his twenties, he was the founder of the “Idists” movement, an expressionist group based out of New Orleans. Later, he would move to New York city to become one of the only Asian (and only Korean artists) within the East Village art scene of the 1980s, where he was a contemporary of legends such as Keith Haring and Jean-Michel Basquiat. Since 1993, he has travelled and painted extensively within the Himalayas, exploring remote regions in China, Tibet, Nepal, and India. His works gain inspiration from a diverse range of classic artistic and literary traditions: the prose of Shakespeare, mysterious legends from Korean folklore, the eccentric brushstrokes of Chinese Calligraphy master Pa-Ta-Shan-Jen, Buddhist philosophy, and much more. Because of their rich texture and unique subject matter, his art has been praised and collected for its value in straddling both American and South Korean cultural identities, as well as various places in between.
He has participated in various international exhibitions including within the Bronfman Center in Montreal, Saatchi & Saatchi in NYC, And the Beat Goes On in Shanghai and Chengdu, and are part of permanent collections within the Korean National Museum of Modern and Contemporary Art, Samsung Lium Art Museum, Daelim Art Museum, and Daejeon Expo.

1951년 부산에서 태어났으며, 20대에 미국으로 건너가 본격적으로 미술을 배우고 작가로 활동을 시작합니다. 최동열 작가는 뉴올리언스에서 표현주의 그룹 ‘Idists’을 결성하였으며, 80년대 뉴욕의 이스트빌리지(East Village)에서 활동한 유일한 한국인 작가로 장-미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat), 키스 해링(Keith Haring) 등의 작가들과 동시대에 활동하였습니다. 몬트리올 브롱프먼센터(Bronfman center, Montreal), 사치 앤드 사치 개관 전(Saatch & Saatch in NYC) 및 뉴욕에서 여러 전시에 참여하는 등 활발한 작품활동을 하였습니다. 1993년부터 티베트 불교미술에 관심을 가지게 되어 티베트, 네팔 등에서 직접 거주하며 작업을 하였고, 2011년부터 히말라야를 등반하며 고지에서 작업을 하며 ‘히말라야’ 시리즈를 완성하였습니다.

최동열 작가의 작품은 그와 동세대인 한국의 단색화 미술과 달리, 역동적인 북방 노마드 문화에서 한국미의 원천을 찾는 표현주의적 작품으로 미국과 한국 모두에서 독특한 위치를 점하여 주목을 받아왔습니다. 그는 또 80년대 뉴욕 이스트빌리지에서 활동한 인연으로, 2018년 서울시립미술관의 이스트빌리지 아트 전시인 〈이스트빌리지 뉴욕: 취약하고 극단적인〉전을 주최하였고, 현재도 다양한 예술 프로젝트를 운영하고 있습니다.

한국에서는 선화랑, 박여숙화랑, 필립강갤러리, 예화랑, 대구 인당박물관, 부산아트센터 등에서 개인전을 열었습니다. 그의 작품은 국립현대미술관, 삼성 리움미술관, 대림미술관, 대전엑스포 등에 소장되어 있습니다.

RICK PROL

Rick Prol was born and raised in New York City where he currently lives and works. He attended Cooper Union College in 1980 and began showing his work publicly in 1982, during the then burgeoning East Village art scene. As art artic Eleanor Heartney writes, “The East Village art scene of the 80`s thrived on the romance of slumming in an era of widespread economic prosperity. Rick Prol was an icon of that era, known for his cartoonish tableaux of mayhem, murder and suicide set in a rat-infested world somewhere east of First Avenue” (Art in America, 1993)

Zmogk

Konstantin “Zmogk” Danilov
“As a painter, I am studying the psychology of color to trace how color affects a person’s emotions, their general psycho-emotional state and, consequently, their quality of life and the general environment around them. My paintings are suspended between figuration and abstraction, committing to neither completely. This seesaw between recognizable and formless parts of a painting creates a deeper engagement for the viewers, inviting them to reconstruct the past actions and processes that defined the current state of the canvas.
Coming from a personal perspective and reception of color, I register mood swings and emotional warps created by the intrusion of historical contexts and world events we find ourselves in. My work is not a direct commentary on the current news, though. My choice of semi-abstract idiom is based on a profound desire to stop filling the visual environment with forgettable topical imagery. Instead, I view my paintings as totems and transmitters of energy. They are supposed to inspire a re-evaluation of emotional states, recharging the psyche through color perception.
In my process, I analyze the emotional background colors create, experience them sensually, then create a sketch that has one dominant color and a few others. The process itself is a search for a balance between the intuitive, subconscious, radically free initial stage of work on the sketch and the clear, orderly, and rational stage of bringing it to completion. In many ways, my process is exactly the opposite of the viewer’s subsequent untangling of the image.
In some of my recent paintings part of the composition is located on the sides of the stretcher. Often these are the brightest fragments, done using reflexive paint, that cast light on the surface around the painting and seem to vibrate on the periphery of our vision, as if some memory or emotion hidden in the subconscious but affecting us and oursurroundings.”

콘스탄틴 “Zmogk” 다닐로프
“화가로서 나는 색이 사람의 감정, 일반적인 정신-감정 상태, 결과적으로 삶의 질, 주변 환경에 어떤 영향을 미치는지 추적하기 위해 색의 심리학을 연구하고 있습니다. 내 그림은 구상과 추상 사이에 매달려 있습니다. 그림의 알아볼 수 있는 부분과 형태가 없는 부분 사이의 이 시소는 보는 사람의 더 깊은 참여를 유도하여 캔버스의 현재 상태를 정의하는 과거의 행동과 과정을 재구성하도록 유도합니다.
개인적인 관점과 색상 수용을 통해 나는 역사적 맥락과 우리가 처해 있는 세계 사건의 침입으로 인해 발생하는 기분 변화와 감정적 왜곡을 기록합니다. 하지만 내 작업은 현재 뉴스에 대한 직접적인 논평이 아닙니다. 내가 선택한 반추상적 관용어는 시각적 환경을 잊을 수 있는 주제적 이미지로 채우는 것을 중단하려는 심오한 욕구에 기반을 두고 있습니다. 대신, 나는 내 그림을 토템이자 에너지 전달자로 봅니다. 색상 인식을 통해 정신을 재충전하고 감정 상태를 재평가하도록 영감을 줍니다.
그 과정에서 나는 감정적인 배경색이 만들어내는 감정을 분석하고, 그것을 감각적으로 경험한 다음, 하나의 지배적인 색상과 몇 가지 다른 색상으로 구성된 스케치를 만듭니다. 프로세스 자체는 직관적이고 무의식적이며 근본적으로 자유로운 스케치 작업의 초기 단계와 스케치를 완료하는 명확하고 질서 있고 합리적인 단계 사이의 균형을 찾는 것입니다. 여러 면에서 내 과정은 시청자가 이미지를 풀어내는 과정과 정반대입니다.
내 최근 그림 중 일부에서는 구도의 일부가 들것 측면에 위치해 있습니다. 반사 페인트를 사용하여 만든 가장 밝은 조각인 경우가 많으며 그림 주위의 표면에 빛을 투사하고 우리 시야 주변에서 진동하는 것처럼 보입니다. 마치 잠재의식 속에 숨겨져 있지만 우리와 주변 환경에 영향을 미치는 어떤 기억이나 감정처럼 말입니다.”

THE LOVE CHILD

Jay Gittens, known to the art world as The Love Child, is a self taught painter who launched into the scene selling his work on the busy streets of Soho. After immigrating to New York from his birthplace of Grenada, The Love Child found his voice in the colorful and vivid paintings that would go on to become his charismatic style.  Inspired by his youth living in an island country, he brings the rich imagery and colors he was surrounded with growing up to his artwork.  His exuberant style can be described as expressive, whimsical and playful.  The Love Child makes use of warm vivid colors in his paintings which he believes affect the positive and pleasurable senses of his audience.  Not wanting to be constrained by a singular mode, his work passes between narrative and more abstract imagery in a harmonious way.  Both hold the presence and power of a singular artist with a unique sense of individuality.

JAMES ROMBERGER

James Romberger’s drawings are in the collections of the Metropolitan, Brooklyn, Newark, Philadelphia and Parrish Museums, Harvard and the Library of Congress. His art has been exhibited at Grace Borgenicht, PPOW, Gracie Mansion and many other galleries in New York, most recently at James Fuentes and the Seoul Museum of Art. Romberger has been published by Marvel, DC/Vertigo, Dark Horse, Image and Fantagraphics; his graphic novels include his Eisner-nominated Post York, and the New York Times bestseller 7 Miles A Second with David Wojnarowicz, that was also on display in the New Museum’s 1999 Wojnarowicz retrospective, and  exhibited in MoMA’s millenium show “Open Ends.” Other works he’s drawn include 2020 Visions, Bronx Kill, Aaron and Ahmed, and the Ignatz-nominated The Late Child and Other Animals. 

Artime Joe

Artime Joe, also known as Yoo In-Jun, is one of Korea’s most important and influential graffiti artists. Since founding JNJ CREW in 2001, he has been instrumental in chronicling the evolution of Korean street art, from its humble beginnings in the early 2000s when there was no graffiti to commanding stages in hip-hop and B-boy performances. Known for his imaginative reinterpretations of international cultural icons like Michael Jordan, Bugs Bunny, and Dragon Ball characters, he introduced “The Cappers” (Cap Man), a distinctive character that has become his most recognizable creation. Beyond national borders, Artime Joe joined the international graffiti crew Stick Up Kids in 2010 and has since travelled to over 20 countries for exhibitions and mural projects across Europe, Asia, and North America. As one of Korea’s most respected Korean graffiti artists, Artime Joe continues to leave an indelible mark on the global graffiti landscape.

한국의 1세대 그래피티 아티스트로 2001년 그래피티 크루 JNJ CREW를 결성하면서 활동을 시작하여, 2000년대 초반 길거리 그래피티부터 시작해서, 힙합 아티스트와 B-boy 무대, 해외 그래피티 투어, 그리고 기업 콜라보레이션까지 한국 그래피티의 역사를 만들어 왔다. 알타임 죠 작가는 캐릭터 구성력, 특유의 컬러감과 레터링으로 8-90년대를 대표하던 마이클 조던, 벅스 버니, 드래곤 볼 등의 캐릭터를 오늘의 캐릭터로 재창조하는 작업과 본인의 캐릭터 ‘The Cappers’를 바탕으로, 그래피티 불모지이던 한국에 그래피티와 스트리트 아트를 즐기는 문화를 만들어 나가고 있다. 또 한국을 대표하는 그래피티 아티스트로 2010년에는 세계적인 그래피티 크루 Stick Up Kids 의 멤버로 합류하였고, 유럽, 아시아, 북미 등을 포함한 20여 개 국가에서 그래피티 프로젝트 및 전시 활동을 하였다.

WEZT

“A wall that becomes art, endures.”

Although Lee Seok-Kyu (aka WEZT) is certainly a graffiti artist, he prefers to think of himself as a “Wall Explorer,” a man of global taste. After “exploring walls” (ahem, painting) in over 30 countries and collaborating with world famous megastars and brands such as BLACKPINK, J-Hope (of BTS), KIA Motors, Samsung, and KG Mobility Tivoli, we say he’s earned the title.
And at the same time, nobody can say he sold out. Inspired by contemporary internet memes and comic-book characters, WEZT’s distinct bubble letters harken back to the old-school graffiti greats, which he harnesses enthusiastically. Due to the raw nature of his work and the clear respect he pays to the past, he is a rare breed of graffiti artist that is well-respected by casual pedestrians and graffiti aficionados alike, especially in his native city of Seoul
WEZT is currently a member of the graffiti crews BAMC and SKA (based in LA).

위제트

“예술이 되어 지속되는 벽”

2019년 아시아 그래피티 대회에서 우승한 작가로 세계 30여 개국을 다니며 활동했으며 현재는 미국 LA의 BAMC 와 SKA 의 크루 일원으로 활동 중입니다. 활기찬 작품으로 도시 풍경을 비롯해 정지되고 고정된 다양한 것들에 생명을 불어넣는 작가이며 ‘WALL EXPLORER (벽 탐험가)’ 라는 슬로건으로 그래피티 작품을 할 벽을 찾아 서울 곳곳을 다니며 이슈되는 인터넷 밈이나 코믹한 캐릭터들을 그래피티 아트로 표현하고 있습니다.
위제트 작가의 작품은 스트리트 느낌의 그래피티 아트의 감성과 텍스트의 특징과 현대적인 그래피티 기법을 혼합한 시그니처 버블 스타일, 위트있는 표현들이 역동적이게 담겨있습니다. 번화한 도심에서 숨겨진 모퉁이에 이르기까지 그의 다채로운 창조물은 그가 만지는 모든 표면에 생명과 에너지를 불어넣습니다. 벽이 캔버스가 되어 컬러 스프레이가 아트로 완성되고 매세지를 전달하는 그의 작품은 생동감 있는 패턴, 다채롭고 선명한 색상, 생각을 자극하는 개념을 혼합한 그 만의 독창적인 스타일로 예술 애호가와 행인 모두를 사로잡습니다.
방탄소년단 제이홉’ 화보, 블랙핑크 뮤직비디오, 빅뱅 등 많은 뮤지션들을 비롯하여 기아자동차, 그래피티 아트 트럭, 삼성 노트북, 티볼리 자동차 광고 등에 참여했으며 다양한 콜라보레이션을 함께했습니다.

DROL

At some point, unfamiliar but beautiful graffiti began to take over the underpasses, rooftops, and streets of Seoul, and at the center of it all was the artist Droll. A French-born graffiti virtuoso who embraced Korea as his home in 2016 alongside his Korean wife, Droll’s journey into street art commenced in his teenage years, fueled by a passion for subcultures like rap, hip-hop, and classic comics. His distinct graffiti style, a fusion of underground comics and 19th-century European painting, transforms forgotten corners of Korea—abandoned factories, old walls, and underground passages—into whimsical worlds of fantasy and fairy tales. Droll’s ability to seamlessly blend unfamiliar elements with the historical backdrop of his adopted home has solidified his status as one of Korea’s most important and recognizable graffiti artists. Beyond the streets, he showcases his artistic versatility through illustrations, exhibitions, installations, and tattoos.
Having left his mark in France’s International Biennale and various residency programs, Drol continues his artistic journey in Korea, collaborating on projects commemorating the 130th anniversary of diplomatic relations between France and Korea, and even joining forces with industry giants like Sony Pictures and Mini Cooper
His chosen artist name, Droll, cleverly reflects the playful duality of a street artist, embodying the transition from ‘DROL’ (clown) to ‘LORD’ (absolute one).

서울의 지하도와 루프탑 그리고 거리 곳곳에 어느 순간 낯설지만 아름다운 그래피티들이 점령하기 시작했고, 그 중심에는 드롤 작가가 있다. 드롤 작가는 프랑스 태생으로 한국인 아내와 2016년부터 한국에서 거주하기 시작한 그래피티 아티스트이다. 랩, 힙합, 고전만화, 카툰 등 서브컬처에 관심이 많던 작가는 청소년 시절부터 거리에서 그래피티를 그리기 시작했다. 그의 특유의 언더그라운드 코믹스와 19세기 유럽 화풍이 결합한듯한 그래피티는 한국에서 지하도, 폐공장, 낡은 외벽과 만나 그곳을 판타지 혹은 동화의 세계로 만들어 주었다. 한국에서는 익숙하지 않은 판타지적 상상이 낡고 오래된 서울의 장소들과 잘 어울린다는 것을 드롤의 그래피티들이 말해주며, 그는 이제 한국을 대표하는 그래피티 작가로 대변된다. 드롤은 또한 특유의 뛰어난 구성력과 회화력으로 일러스트, 전시, 설치 및 타투 등의 작업도 활발하게 진행하고 있다.
프랑스에서는 국제 비엔날레 및 여러 레지던시 프로그램에 참여하였고, 한국에서는 한불수교 130주년 기념 프로젝트 및 소니픽처스, 미니쿠페 등의 콜라보레이션 작업에 참여하였다.
또 그의 아티스트명인 드롤은 ‘DROL (광대)에서 LORD (절대자)’에 이르기까지 정 반대되는 두가지 뜻이 모두 내포된 그야말로 스트리트 아티스트의 정체성을 위트있게 반영하고 있는 이름이다.

TingaTinga Arts Collective

From a creative co-op in Tanzania emerges “TingaTinga Arts Collective,” a vibrant showcase of 8 artists breathing new life into the rich visual storytelling traditions of East Africa. Influenced by visionary artist Edward Saidi TingaTinga’s work in the 1960s (where the movement gets its name), this collective carries the torch of this distinctive African art form renowned for its bold and brilliant colors, characters, and captivating narratives.

Originally constructed using bicycle paint on low-cost materials such as masonite squares, ceramic fragments, and wood, the evolution of TingaTinga has come a long way. And now for the first time in the collective’s history, their art is being made public on-chain in the form of NFTs, continuing a global journey of humble origins that unites us all in a universal language of color, imagination, and aspirations.

Proceeds of this collection go to help fund the continuous operation of TingaTinga Arts Collective. With each purchase, you contribute your voice to this movement’s global narrative, and connect yourself to a Tanzanian tradition that remains unbroken six decades after it was founded.

팅가팅가 아트 콜렉티브

아프리카 탄자니아의 한 창작 협동조합에서 동아프리카의 풍부한 시각적 스토리텔링 전통에 새로운 생명을 불어넣는 8명의 예술가들의 생생한 쇼케이스인 “TingaTinga Arts Collective”가 NFT로 작품으로 선보입니다. 1960년대 선구적인 예술가 Edward Saidi TingaTinga의 작품 (훌륭한 작품성으로 독보적인 아프리카의 한 예술 분야로 정착하게 된 계기) 의 영향을 받은 이 예술과 예술 단체는 대담하고 화려한 색상, 캐릭터, 아프리카를 고스란히 느낄 수 있는 매혹적인 표현으로 유명한 독특한 아프리카 예술 형식으로 영원히 지속적으로 그 명맥을 이어갈 훌륭한 예술 분야이자 작품들입니다. 아프리카 예술에 있어서 전통예술과 현대미술이 공존하는 선봉의 횃불을 들고 있는 예술 세계인 팅가팅가 아트 작품을 소개합니다.

원래는 자전거 페인트로 저렴한 재료인 사각 메이소나이트, 도자기 조각 및 나무와 같은 재료를 사용하여 제작되었으며, 팅가팅가의 진화는 긴 여정을 거쳤습니다. 이제 역사상 처음으로 그들의 예술이 NFT 형태로 공개되며, 이것은 색상, 상상력 및 희망을 위한 보편적인 언어로 우리 모두를 하나로 만드는 그 기원의 세계 여정을 이어가고자 합니다.

FLOX

With her roots firmly stamped within the street art era of the early 2000’s, FLOX’s trademark style derived from the natural world is unquestionably recognisable today.
The artist has always maintained a philosophy of “making art for the people” and making her art accessible which saw FLOX take her own artistic lane by avoiding the traditional artist/gallery relationship. Today, FLOX is one of Aotearoa’s most recognised artists, spreading her ever expanding wings both locally and internationally with mural projects, commissions, product lines, brand colabs and workshops.
Painting site specific murals, FLOX gives voice to local narratives and environmental issues, often in collaboration with surrounding communities. As her brand has grown globally, FLOX has travelled ever wider, creating works that celebrate native, endangered or rare flora and fauna around the world, determined to put the subject of nature and it’s ever precarious position in this world, at the forefront of her practice.

2000년대 초반 스트리트 아트 시대에 뿌리를 단단히 내린 아티스트 FLOX의 트레이드마크 스타일은 오늘날 자연계에서 파생된 것으로 많은 사람들에게 인정받고 있습니다.
FLOX는 항상 사람들을 위한 예술을 만들고 그녀의 예술에 쉽게 접근할 수 있도록 한다는 철학을 유지해 왔으며, 이는 전통적인 예술가/갤러리 관계를 피함으로써 FLOX가 그녀만의 예술적 길을 걷게 된 것입니다.
오늘날 FLOX는 아오테아로아(뉴질랜드)에서 가장 인정받는 예술가들 중 한 명으로 벽화 프로젝트, 브랜드 콜랩 및 워크샵을 통해 국내외적으로 그녀만의 날개를 펼치고 있습니다.
특정 현장에서 벽화를 그리는 FLOX는 종종 주변 지역 사회와 협력하여 지역의 이야기와 환경 문제에 목소리를 제공합니다.
FLOX는 지금도 활발하게 활동하며 전 세계의 토종, 멸종 위기에 처하거나 희귀한 동식물을 기념하는 작품을 만들었고, 자연이라는 주제와 그것이 이 세상에서 항상 불안정한 위치에 있다는 것을 항상 생각하고 실천하고있습니다.

SWEATS

SWEATS is the art & creative studio. Producing: artworks, prints, illustration, design, lettering, apparel, art toys & murals. SWEATS artworks can be characterised by their expressionistic and textural representations of figures and objects. His work explores the multifaceted nature of the human experience, tapping into an explosion of senses while retaining a playful naivety. Within this SWEATS creates bold contrasts and highlights different aspects of feeling and emotion to engage intrigue and connection.
With a Bachelor of Art & Design, SWEATS has over 20 years working internationally in the creative arts, achieved industry awards in Aotearoa and Australia for design, recently winning gold at NZ Pride & Print. Constantly evolving, his multidisciplinary work has spanned a wide variety of commercial and personal projects ranging from painting, design, illustration, and lettering, applied to areas of art, branding, print, packaging, merchandising, and murals. SWEATS works from a shared studio in Grey Lynn, Tāmaki Makaurau, Aotearoa, and is co-founder of the artist workspace Eyes On Fire Gallery.

SWEATS는 아트 & 크리에이티브 스튜디오입니다. 예술품, 판화, 일러스트레이션, 디자인, 레터링, 의류, 미술 장난감 및 벽화 등을 제작하고 있습니다.
SWEATS 예술품은 형상과 물체에 대한 표현주의적이고 질감적인 표현으로 특징지어질 수 있습니다. 그의 작품은 유희적인 순수함을 유지하면서도 감각의 폭발을 활용하여 인간 경험의 다면적인 특성을 탐구합니다. 그 안에서 SWEATS는 대담한 대조를 만들고 흥미와 연결을 위해 감정과 감정의 다른 측면을 강조합니다.
예술과 디자인 학사 학위를 받은 SWEATS는 국제적으로 창작 예술 분야에서 20년 이상 근무했으며 아오테아로아(뉴질랜드)와 호주에서 디자인 부문에서 업계 상을 수상했으며 최근 NZ Pride & Print에서 금상을 수상했습니다.
끊임없이 진화하는 그의 다학제적인 작업은 그림, 디자인, 일러스트레이션 및 레터링에 이르기까지 광범위한 상업 및 개인 프로젝트에 걸쳐 있으며 예술, 브랜딩, 인쇄, 포장, 상품 및 벽화 분야에 적용됩니다.
SWEATS는 Grey Lynn, Tāmaki Makaurau, Aotearoa에 있는 공유 스튜디오에서 작업하며 예술 작업 공간 Eyes On Fire Gallery 갤러리의 공동 설립자입니다.

TCAG

TCAG stands at the forefront of the web3.0/Metaverse revolution, redefining how we interact with our digital landscape with a visionary blend of technology and creativity. Utilizing 3D content, immersive sound effects, blockchain, AI, and digital fashion, TCAG is crafting a groundbreaking virtual hub that seamlessly integrates space-demonstration-purchase-delivery within the Metaverse. Using their hyper-virtual reproductions, TCAG aims to make virtual experiences as smooth as reality, and as easy as trying on a new set of clothes.
In addition, TCAG is spearheading a venture into the art world, envisioning a future where NFTs are seamlessly integrated within the Metaverse. Presenting a collection of 3D artworks rooted in the concept of ‘Digital Native,’ these pieces exist in the digital realm and are shaped by cutting-edge technologies like AI, ML, blockchain, and cloud-based data collection. “Digital Native Egg” represents a paradigm shift in creativity by showcasing the transformative power of NFTs within the constantly evolving landscape of data and the Metaverse.

TCAG는 메타버스 플랫폼 중심의 컬쳐와 커머스 패러다임을 만들어 가고 있는 web3.0/메타버스 그룹입니다. 3D 콘텐츠, 사운드 이펙트, 블록체인, AI 그리고 디지털 패션 브랜드를 활용하여 글로벌 아티스트, 기업과 함께 새로운 버추얼 콘텐츠의 메타버스 허브를 구축하고 있습니다. 메타버스 상에 하이퍼 버추얼 재현을 통한 스페이스-시연-구매-배송의 스마트팩토리 솔루션을 구축하고 버추얼 패션 및 걸쳐 스페이스를 구연해 나가고 있습니다.
또한 NFT의 메타버스 상에서 자유로운 구현을 비전으로 TCAG의 비주얼 아트 프로젝트를 구축해 나가고 있습니다. TCAG는 이러한 비전 하에 ‘디지털 네이티브’에 초점을 두고 디지털 세상에서 존재하며 AI, ML, 블록체인, 클라우드 등 다양한 IT 기술을 활용하여 제작된 3D 기반의 아트 콘텐츠를 선보이고 있습니다. 이번 컬렉션은 ‘디지털 네이티브’ 콘텐츠의 NFT 및 메타버스를 통한 창조와 재창조의 의미를 담아 제작되었습니다.

Skumbuzo Salman

Skumbuzo “Skubalisto” Salman is a respected artist based in Cape Town, South Africa known for his impactful work addressing social justice, identity, and belonging. With a background in visual and fine arts, Salman has spent the past decade crafting a unique and engaging practice. He’s not just a painter; he’s a thoughtful voice in his community, using art as a tool for cultural awareness. Although he has painted murals in Mozambique, Zimbabwe, Kenya, Tanzania, Italy, and the US, Skumbuzo is particularly passionate about the future of young people on the African continent and is committed to making a lasting impact through mural projects and advocacy of the arts.

스쿰부조 살만은 사회 정의, 정체성 및 소속감을 다루는 영향력 있는 작업으로 유명한 남아프리카 공화국 케이프타운에 기반을 둔 존경 받는 예술가입니다. 시각 예술과 미술에 대한 배경을 가지고 있는 스쿰부조 살만은 독특하고 매력적인 작업을 만드는 데 지난 10년을 보냈습니다. 그는 단순한 화가가 아니라 예술을 문화적 인식의 도구로 사용하는 그의 공동체에서 사려 깊은 목소리입니다. 비록 그는 모잠비크, 짐바브웨, 케냐, 탄자니아, 이탈리아, 그리고 미국에서 벽화를 그렸지만, 스쿰부조는 특히 아프리카 대륙의 젊은이들의 미래에 대해 열정적이고 벽화 프로젝트와 예술 옹호를 통해 지속적인 영향을 만드는 데 전념하고 있습니다.

Isaac Zavale

Isaac Zavale (b. 1988 – Maputo, Mozambique) is a Mozambican fine artist and street artist current living in Johannesburg, South Africa. He graduated from the Artist Proof Studio in Johannesburg in 2012 and proceeded to co-found the printmaking studio Prints on Paper (POP) and the Alphabet Zoo zine and printmaking workshops with artist partner Minenkulu Ngoyi. In 2015 he and Ngoyi were invited to be guest lecturers for 3rd-year students for alternative printmaking, zine-making and bookbinding courses at the University of Witwatersrand in Johannesburg.

Zavale’s work focuses on the social and political issues in Southern Africa seen through the lens of a Mozambican immigrant. His background in mural painting and sign-writing is evident in his recent bodies of work, mostly consisting of inner-city landscapes that depict honest representations of Johannesburg street scenes, placing a spotlight on how people from all around Africa get to use the space in diverse ways, to create, to operate and to take ownership of the space.

Zavale has participated in numerous exhibitions, both locally and internationally including If Yesterday Was Tomorrow What Is Today, BODE Projects, Berlin (2020 2021); Joni Ya Milenge, Kalashnikovv Gallery, Johannesburg (2020); Alphabet Zoo, Fak’ugesi African Digital Innovation Festival, Johannesburg (2019); andGRAFIKAMA (Service Peinture) Exposition Collective, Nantes, France (2016).

아이작 자발레(B. 1988 – Maputo, 모잠비크)는 현재 남아프리카 공화국 요하네스버그에 살고 있는 모잠비크 출신의 순수 예술가이자 길거리 예술가입니다. 그는 2012년 요하네스버그에 있는 예술가 증명 스튜디오를 졸업하고, 인쇄 스튜디오인 Pop (Prints on Paper)와 알파벳 동물원(Alphabet Zoo zine)을 공동 설립하고 예술가 파트너인 Minenkulu Ngoi와 함께 인쇄 워크숍을 진행했습니다. 2015년 그와 Ngoi는 요하네스버그에 있는 Witwaterrand 대학의 대체 인쇄, Zine 제작 및 제본 과정을 위한 3학년 학생들의 초청 강사로 초대되었습니다.

자발레의 작품은 모잠비크 이민자의 렌즈를 통해 본 남아프리카의 사회적, 정치적 문제에 초점을 맞추고 있습니다. 벽화 그리기와 사인 쓰기에 대한 그의 배경은 요하네스버그 거리 장면의 정직한 표현을 묘사하는 도시의 풍경으로 대부분 구성된 그의 최근 작품에서 분명하게 드러나고, 전 아프리카 사람들이 어떻게 공간을 다양한 방식으로 사용하고, 창조하고, 운영하고, 그 공간의 소유권을 가질 수 있는지에 스포트라이트를 비추고 있습니다.

자발레는 국내 및 국제적으로 수많은 전시회에 참여해 왔으며, If Yesterday Was Tomorrow What Is Today, BODE Projects, Berlin (2020 2021); Joni Ya Milenge, Kalashnikovv Gallery, Johannesburg (2020); Alphabet Zoo, Fak’ugesi African Digital Innovation Festival, Johannesburg (2019); andGRAFIKAMA (Service Peinture) Exposition Collective, Nantes, France (2016) 등이 포함됩니다.

Lisolomzi Pikoli

Lisolomzi Pikoli (b. 1989) is a fine artist, illustrator & muralist from South Africa. His work aims to interpret the mechanics of the modern world through the lens of our inherited wisdom. He creates free-form, expressive figurative compositions which he explores through painting, graphic, installation and mural work. Lisolomzi has shown work individually and in group shows in Cape Town, Johannesburg, Berlin, London, Tokyo, Lille, Amsterdam and Rotterdam. He has also been hosted as an artist-in-residence by the National Arts Festival, Trinity Sessions, Soul City movement and the Keleketla!Library. In August 2017, he was selected as one of Mzansi’s (South Africa’s) Top 100 Young Independents.

 Lisolomzi Pikoli (b. 1989)는 남아프리카 공화국 출신의 훌륭한 예술가, 일러스트레이터, 벽화가입니다. 그의 작품은 우리가 물려받은 지혜의 렌즈를 통해 현대 세계의 역학을 해석하는 것을 목표로 합니다. 그는 그림, 그래픽, 설치 그리고 벽화 작업을 통해 탐구하는 자유 형식의 표현적인 형상화 작품을 만듭니다. Lisolomzi는 케이프타운, 요하네스버그, 베를린, 런던, 도쿄, 릴, 암스테르담 그리고 로테르담에서 개인적으로 그리고 그룹 쇼에서 작품을 보여주었습니다. 그는 또한 국립 예술 축제, 트리니티 세션, 소울 시티 무브먼트와 켈레케틀라 도서관에 의해 상주 예술가로서 주최되었습니다. 2017년 8월, 그는 Mzani의 (남아공의) 100대 젊은 독립가 중 한 명으로 선정되었습니다.

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