Bushy Wopp is an artist and illustrator based in Cape Town, South Africa. His first love is mural art which he uses as a medium to uplift his community. African identity and pride are important topics in his art, with themes such as equality, afro-futurism, unity and street culture running throughout. Bushy Wopp has established a distinct and unique style that is renowned but continues to play with his artistic medium without boundaries or limitations.
Andreas Sterzing is a German editorial and portrait photographer. Based in New York, Sterzing has worked over 20 years with international magazines.
In 1983 Andreas launched his career with photos of Pier 34, taking part in the project with stories about the East Village art scene where he had been an active participant. Since then he has worked on editorial magazine commissions. His work has been published in many prestigious publications including Stern, Der Spiegel, Geo, Zeit Magazin, Marie-Claire, King Kong and the New York Times Magazine.
Since 2016 Andreas’ work on the Pier 34 project, the East Village art scene, and the Alphabet City neighborhood has been featured – mainly as analogue or digital slideshows – in exhibitions in museums and galleries internationally, including the Whitney Museum of American Art, SeMA (Seoul Museum of Art), KW-Berlin, Museo Reina Sofia in Madrid, Jeu de Paume in Paris and among others.
In 2020 his portrait David Wojnarowicz (Silence = Death) (1989) was named one of “The 25 Most Influential Works of American Protest Art Since World War II” by the New York Times Magazine (No.19 on the list).
Since moving to England in 2005, Andreas has been dividing his time between London and Cornwall, where he is a Senior Lecturer at Falmouth University’s Institute of Photography.
안드레아 스터징(Andreas Sterzin)g의 이스트빌리지와 <Pier34>의 무너져가는 폐허를 찍은 사진은 도시 재개발로 지금은 사라진 당시의 거칠지만 성황을 이루었던 거리 예술을 엿볼 수 있게 해준다. 안드레아 스터징은 독일 출신으로 인물 사진을 다양한 사진 작업을 해온 사진작가이다. 주로 뉴욕에서 활동하며 20년 넘게 국제적으로 발행되는 매거진에서 작업을 해왔다.
스터징은 그가 열정적으로 참여했던 이스트빌리지 미술계를 담은 사진 프로젝트를 진행했으며, 1993년에는 폐공장에 아티시트들이 점령하여 벽화 작업을 한 ‘피어34’ 프로젝트의 사진 시리즈로 작가로서의 커리어를 시작하게 된다. 이때부터 그는 주요 매거진에서 의뢰를 받아 작업을 해왔으며, 그의 작업은 스턴(Stern), 슈피겔(Der Spiegel), 지오(Geo), 자이트 매거진(Zeit Magazin), 마리클레어(Marie-Claire), 킹콩 King Kong), 그리고 뉴욕타임스 매거진(New York Times Magazine ) 등 다수의 권위 있는 출판물과 언론에 실리게 되었다. 2016년 이후 그의 주요 작업인 ‘피어34’ 프로젝트, 이스트빌리지 아트, 그리고 이스트빌리지 근방의 알파벳 시티(Alphabet City)를 기록한 프로젝트는 여러 세계적인 미술관과 갤러리에서 주로 슬라이드쇼 형식으로 전시되는데, 여기에는 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art), 서울시립미술관, 베를린 KW 인스티튜트(KW-Berlin), 마드리드 레이나 소피아 국립미술관((Museo Reina Sofia in Madrid), 파리 죄드폼 국립미술관((Jeu de Paume in Paris)이 포함되어 있다.
2020년에는 <데이비드 워나로비치 (침묵=죽음)>(1989년작)이라는 워나로비치를 담은 그의 사진이 뉴욕 타임스 매거진의 “2차 세계대전 이후 미국의 가장 영향력 있는 저항 미술 25점” 에서 19위로 선정되기도 하였다. 스터징은 2005년 영국으로 이주한 이후 콘월에 위치한 팔머스(Falmouth)대학 사진학과에서 부교수로 일하고 있으며, 런던과 콘월을 오가며 거주하고 있다.
“An NFT Artist with Divine Gifts Just for You”
Joo YeonHui (aka AndyJay) is a Korean artist on a mission to feed your soul. Her extraordinary talent has garnered international acclaim, with her works showcased at prestigious venues such as the Carrousel du Louvre in Paris, and she was even featured as an up-and-coming NFT artist by the esteemed “Contemporary Art Curator” publication.
At the heart of AndyJay’s art lies an enchanted world where picture-perfect picnic blankets play host to exquisite pastries and cakes, vintage wines, and luscious fruit jams, while the gentle sun’s rays, filtering through the foliage, cast mesmerizing reflections on these delectable treats. The artist offers up these idyllic picnic scenes to her audience like a gift, giving us a glimpse of the grand celebration of life as well as the timeless appeal of fairy tales. And if you look closely, you can even spot guests: Two rabbits by the name of Andy and Jay (like the name!)
However, life isn’t always a picnic. Amidst the allure of the feast, AndyJay interweaves subtle religious allusions that muse on the nature of joy and pleasure amidst the eternal. This prompts a viewer to reflect on the fleeting nature of life, and urges us to enjoy it while we can.
앤디제이
“당신에게 줄 신의 선물을 고르는 NFT 아티스트”
앤디제이(AndyJay/ 주연희) 작가는 당신의 영혼을 위한 작업을 하는 한국의 아티스트입니다. 그녀는 파리의 카루젤 뒤 루브르(Carrousel du Louvre)와 같은 권위 있는 장소에 작품을 선보이고 국제적인 찬사를 얻었으며, 권위있는 간행물 ” Contemporary Art Curator(오늘의 아트 큐레이터)” 에서도 그녀를떠오르는 NFT 아티스트로 소개하는 등 최근 주목할 행보를 이어오고 있습니다.
앤디제이 작가는 화려한 케이크가 놓여진 피크닉 테이블을 그리는 작가입니다. 피크닉 담요 위로는 화려한 홀케이크와 와인 과일 잼 등의 소품이 올라가고 그 위로 나뭇잎 사이를 뚫고 들어온 햇살이 반사되고 있습니다. 화려한 케이크가 중심이 되는 앤디제이 작가가 선사하는 피크닉 테이블은 피크닉이라는 우리 삶의 일부를 보여주는 것 같으면서도, 화려한 파티에서 나올 것 같은 케이크와 식기류 그리고 소품들은 마치 동화속 혹은 천상의 피크닉 장면 같은 장면을 연출합니다. 앤디제이 작가는 자신의 작품이 감상자들에게 선물처럼 느껴지기를 바라는 마음으로 작업하기에 이러한 환상적인 피크닉 장면이 연출됩니다. 하지만 작품 속 케이크는 삶의 기쁨과 즐거움이 찰나적으로 지나갈 수도 있음을 반면 작품 속 종교적인 클리셰와 편지들은 영원적인 가치를 표현하며 삶에 대해 성찰하도록 해줍니다. 또 작가의 이름과 같은 앤디와 제이 두 토끼 캐릭터를 찾는 것도 감상의 한 묘미입니다.
“A record of space-time on the coexisting visible and invisible worlds”
Ahyoung Jo (aka Joy Jo) is an artist whose large-scale works delve into the unknown borders of cities, the world, and the universe beyond. To explore the edge between reality and subjectivity, her artistic approach revolves around creating abstract expressions, which attempt to capture these inner worlds and make them visible. Having spent extended periods in London and Germany, Joy Jo’s artistic journey is equally influenced by the cities she has spent time in as the philosophy she has consumed
Among her explorations, Joy Jo’s “Abstract Diary” series stands out as a prominent work. Comprising digital artworks of drawings incorporated into photographs, Joy Jo chronicles the places she has visited and transforms them into impressive cityscapes whose methods and appearances are inseparable from her inner emotions and interpretations of them at the time. In doing so, her “Abstract Diary” series both records and expresses the inner imagery and emotions of herself as well the cities she has been to, transcending the limitations of concrete words and images. The difference between tiny corners and vast chasms are not so different after all. To the human eye, they are both nearly incomprehensible, as is our emotions.
To date, Joy Jo has actively participated in over 5 solo and group exhibitions in South Korea, Australia, the U.K, and Germany.
조이조
“공존하는 가시적 세계와 비가시적 세계에 대한 시공간의 기록”
조이조 작가는 도시와 세계, 나아가 우주의 이면에 숨겨진 본질을 탐구하는 대형 페인팅 작업을 중점적으로 진행해왔습니다. 대상의 내면과 본질을 효과적으로 나타내기 위해 추상적 표현을 택했던 작가의 작업은, 런던과 독일에서의 긴 타지 생활을 통해 실재와 객관의 영역을 다시금 탐색하는 방향으로 발전됩니다. 이러한 작업의 연장선에 있는 작업 중 하나가 ‘추상 일기’ 시리즈입니다. ‘추상 일기’는 조이조 작가가 머물던 도시의 인상적인 장면과 특별한 날의 기억을 담은 사진 위에 드로잉을 더하여 특수한 형태의 디지털 작품으로 완성한 작품입니다. 작가의 시각으로 재해석된 도시의 추상 이미지는 어떠한 구체적인 기록이나 말보다도, 작가가 그날그날 포착한 도시의 감성을 정확하게 기록합니다. 즉, 도시가 가진 내면적 이미지와 그에 대한 작가의 감성을 관객으로 하여금 보다 객관적으로 관찰할 수 있도록 한 작가의 의도가 녹아 있는 작품들입니다.
작가는 국내를 비롯하여 호주, 영국, 독일 등지에서 다섯 번의 개인전과 다수의 단체전에 회화 작가로 참여한 바 있으며, 전통 페인팅과 디지털 페인팅, 오디오 비주얼 미디어, 컬렉팅 등 아트의 경계를 넘나들며 다양한 예술 분야에서 활동 중입니다.
“An artist who montages the past and the present”
Kim Jonghyuk(aka Rokkakim) is as much an architect or historian as he is an artist, building vast worlds that link together the past with the present. With a particular emphasis on 1960s-1970s American culture and the Cold War era, his work mixes collages and videos in a darkly comedic manner that invites the kind of interpretation a historical document might when viewed from both the victor and the vanquished.
With an interest in history, space exploration, architectural styles, design, fashion, and more, RokkanKim has made a name for himself as a uniquely versatile artist in the web3 space. Having sold out 60 editions NFT on Upbit NFT marketplace(largest NFT marketplace in Korea) and being chosen as one of the first artists for the WEMADE NILE NFT marketplace in 2022, RokkanKim’s influence spans not only Korea, but also the USA, Southeast Asia, and beyond, and he has collaborated on notable projects like Valentine`s “Glenburgie 12 years” and Samsung TV NEO QLED 8K.
로칸킴
“과거와 현재를 몽타주하는 아티스트”
로칸킴(Rokkakim/김종혁)은 예술가 이상으로 건축가이자 역사가로서 과거와 현재를 연결하는 광대한 세계를 구축합니다. 특히 1960~1970년대 미국 문화와 냉전 시대에 중점을 둔 그의 작품은 콜라주와 비디오를 혼합하여 승자와 패배자 모두의 관점에서 바라본 역사적인 자료들을 해석하는 과정으로 관객을 초대한다.
역사, 우주 탐험, 건축 스타일, 디자인, 패션 등에 대한 관심으로 로칸킴은 web3 주목받는 아티스트로 이름을 알리고 있습니다. 업비트 NFT 마켓플레이스(국내 최대 NFT 마켓플레이스)에서 60에디션의 NFT를 완판하였고 2022년 위메이드 나일(WEMADE NILE) NFT 마켓플레이스의 첫 번째 아티스트로 선정되었습니다. 그의 영향력은 한국뿐만 아니라 미국, 동남아시아 등 전 세계에 걸쳐 확장되고 있습니다. 그리고 그는 발렌타인 ‘글렌버그 12년’, 삼성 TV NEO QLED 8K 등 주목할 만한 프로젝트와 협업해오고 있습니다.
Born in 1988, Pang Fan (aka Fansack) is one of China’s most prolific and recognizable urban artists. As a pioneer of graffiti art in China since the early 2000s and a former apprentice to legendary Paris-based painter Cyril Kongo, Pang Fan eventually earned an undergraduate degree in Visual Arts from the University of Marseilles (2008) and a masters of Fine Arts from Sorbonne University. Through his use of canvas, murals, installations, and other methods, Pang Fan’s work has always focused on elements of Eastern and Western philosophy, religion, and science. Yet, by deconstructing and reassembling a colorful cast of characters, plants, and animals from the pages of Eastern mysticism and fusing them with symbolism and imagery typically found in modern street culture and fashion, Pang Fan’s work is able to blend contemporary Pop and Urban Art aesthetics with more ancient oriental sensibilities. The final product is a rich and deeply layered universe that is both simultaneously Zen and in a constant state of spiritual and materialistic conflict.
To date, Pang Fan’s works have been collected by various domestic and foreign institutions, including the Musee en Herbe (France), Yanlord Land (China), the Pearl Art Museum (Shanghai), and the Swire Group (Hong Kong). In 2014, Fansack had the great honor of being the only Chinese artist chosen to display his work in the Paris Dali Museum as part of the exhibition Dali Fait le Mur.
1988년 생인 아티스트 팡팬(Pang Fan/예명 팬색(Fansack))은 중국 미술계를 선도하는 젊은 작가이자 다작의 활동을 하는 것으로 유명한 작가입니다. 팬색은 2000년대 중국 그래피티 아트의 전설이자 파리 기반으로 활동하는 시릴 콩고(Cyril Kongo)의 어시스턴트로 작업을 시작해서 이후 마르세유 대학에서 시각 예술 학사 학위(2008)를, 소르본 대학에서 예술학 석사 학위를 취득합니다. 캔버스 작업, 벽화, 설치 및 여러 다양한 매체를 통해서 팬색은 항상 동서양의 철학, 종교 및 과학적 테마 등에 전착하며 작업을 해왔습니다. 또한 그의 작품은 동양의 고대 판타지의 인물과 사물들을 재해석한 캐릭터에 패션 로고 및 스트리트 아트 등의 상징을 차용하여 동양 고전과 현대의 팝아트 및 스트리트 아트를 융합한 캐릭터와 표현을 특징으로 합니다.
지금까지 팬색의 작품은 프랑스의 뮤제 앙 허브(Musee en Herbe), 중국의 얀로드 랜드(Yanlord Land), 상하이의 펄 미술관(the Pearl Art Museum), 홍콩의 스와이어 그룹(Swire Group) 등 중국 내외 다양한 기관에 소장되어 있습니다. 팬색은 또한 2014년 달리 페이탈 무르(Dali Fait le Mur) 전시회의 일환으로 파리 달리 박물관에서 자신의 작품을 전시하도록 선택된 유일한 중국 예술가라는 큰 영광을 누렸습니다.
Rowa is illustrator, digital artist, and fashion designer. There is just something so alluring about the worlds she creates, and the conflicting elements she brings to the table are often as delicious as they are grotesque. A little bit of sweet, a little bit of salty.
“While majoring in fashion, I especially liked Alexander McQueen and Vivienne Westwood, and the mix and match of feminine lace materials and mannish and strong leather materials, and the heterogeneous combination of traditional British clothing, punk, and deconstructionist details. The inspiration I received from this has continued into my current work.”
로와(Rowa)는 서울에서 디지털 아티스트이자 일러스트레이터로 활발히 활동하고 있습니다. SADI(Samsung art&design institute)에서 패션디자인을 전공하였으며 인물 묘사와 다양한 컬러, 스토리텔링을 다루는 커리큘럼을 통해 패션과 아트라는 비슷하면서도 다른 두 영역을 오가며 크리에이터로 성장하였습니다.
로와는 섬세하고 고전적인 스타일의 스케치와 선명하고 현대적인 컬러의 조합으로 몽환적인 분위기를 작품에 표현하고 있으며. 각각의 세계에서 온 듯한 상반된 분위기의 요소를 한 이미지에 담아 낯선 아름다움을 나타내고 있습니다. 로맨틱적인 요소와 그로테스크한 요소를 상충시키는 등 이질적인 분위기를 만들어
감상자로 하여금 궁금증을 자아내며, 상력을 자극하는 미스터리한 스토리텔링의 다채로운 세계를 작품에 담아내고 있습니다.
GDR is a multidisciplinary artist with a pedigree in fine art photography, film and design. His work vividly expresses the ineffable interstices between the humans, nature and the subconscious, with an uncanny chiaroscuro flourish reminiscent of the old masters. GDR’s integration of modern technique and practices have made him a favorite in the NFT art movement and elite publications alike. He lives and works in Manhattan, NY and holds a Master of Interdisciplinary Arts from The University of Washington.
Storm Ritter is an ambidextrous artist, designer, and business owner of Storm Ritter, Inc. in Greenwich Village, NYC. Full time painter, she specializes in studio art, painted fashion, scenic/costume design, murals, visual marketing, and retail/e-commerce sales.
January to February 2022, Storm completed a 60-foot building mural, Age Of The Cool People. The large-scale painting provided a design foundation for NFTs, custom garments, jewelry, and art prints. March to August, Storm focused on expanding her collection of fine art and jewelry, catered to garment & canvas commissions and showed in various group shows in Soho. September – October, Storm opened her second solo show, Cirque of The Cool People, in Meatpacking, NYC with Gallery 23 NY.
His painting practice has been honed over years of experimentation, touching different edges of the surreal, the figurative, and the abstract. His foray into Crypto Art began in February 2021, minting NFT’s that were digital collages of his own paintings, before progressing into digital paintings, animations, and AI artwork.
Zachary Laine was born on February 18th 1990 in Manhattan, New York. Although he spent his early years in Miami, Zachary Laine is a New York City-based artist who draws inspiration from the concrete metropolis of the Big Apple. Having spent his childhood in the music and art world with artist parents who worked and were friends with Keith Haring, Zachary Laine has been developing his artistic vision for a lifetime. Originally time spent with his father, a contractor in upstate New York, helped give Zachary Laine concrete inspiration in developing his work. In contrast, his mother was responsible for instilling a passion for painting wherein Zachary gained an understanding of color and composition.
