Oh Ye Kyung is a character artist renowned for crafting imaginative worlds brimming with curiosity and adventure. With a style deeply rooted in a passion
for retro animation, she infuses each character she creates with distinctive personalities and compelling narratives, breathing new life across mediums including 3D, 2D, and figurative art. With a background spanning over a decade
in visual design, Oh Ye Kyung has contributed to major projects for LG Electronics, Hyundai, and more, including the “Minions” design for Universal Studios, Korea.

With a specialization in graphic production, character development, and illustration, Oh Ye Kyung’s imagination reflects a passion for storytelling that challenges and inspires viewers to explore their true selves through innovative and visually compelling narratives, including this collection with Orangehare.

Athumani Maulana

Athumani Maulana was born in 1983 in the Nakapanya Village of Ruvuma, Tanzania, where he first discovered his passion for Tingatinga art under the guidance of his uncle- a renowned artist. Growing up immersed in the rich cultural heritage of East Africa, Maulana eventually received formal training for his artistic skills in Dar es Salaam, where he mastered the traditional techniques of depicting animals, birds, and cartoons with intricate detail.
Since 2001, Maulana has showcased his works in numerous exhibitions, including notable events such as the Tingatinga Cartoon exhibition in Kenya from 2007 to 2008, which gained popularity among children and received international television coverage. He has also participated in prestigious shows such as “Voices of Wisdom” in Zanzibar from 2010 to 2012 and exhibitions at the National Museum in Dar es Salaam from 2009 to 2013. Maulana’s dedication to Tingatinga art not only sustains his livelihood but also preserves and promotes this distinctive Tanzanian artistic tradition globally.


Rick Prol was born and raised in New York City where he currently lives and works. He attended Cooper Union College in 1980 and began showing his work publicly in 1982, during the then burgeoning East Village art scene. As art artic Eleanor Heartney writes, “The East Village art scene of the 80`s thrived on the romance of slumming in an era of widespread economic prosperity. Rick Prol was an icon of that era, known for his cartoonish tableaux of mayhem, murder and suicide set in a rat-infested world somewhere east of First Avenue” (Art in America, 1993)


“Journey of exploring the dynamic inner strength and beauty.”

For Minseok Kang (aka KangCar), nothing goes to waste. As a mixed-media artist based in Seoul (Korea), he squeezes every bit he can out of his creative process, even going so far as to save paper trimmings, paint drippings, and canvas clippings for later use. When he has enough, these scraps are then meticulously crafted into ice cream cone sculptures that seem to positively drip with the “leftover” juices of his previous works, namely, cars.
Painting vehicles is an obsession of KangCars. As the ultimate consumer product, they are an apt metaphor for exploring the reality of modern urban life. Rendered in shiny acrylic paint, they are instantly covetable, while their frenzied brushstrokes stimulate speed and the allure of danger. Always on the go, always racing past each other, his paintings offer a wild ride into the heart of our own desire to possess, surpass, and flaunt objects as well as each other, no matter the cost.
Although KangCar’s ice cream cone series is a direct byproduct of this process, they represent leisure and slow enjoyment, an irony that is not lost on the artist. Rendered and digitized forever into NFT format, KangCar’s ice cream cones will never melt, and remind us to take a second to enjoy the sweetness of life, which won’t last forever.
KangCar has exhibited and collaborated on numerous exhibitions, including the 2017 Jeonnam Moto Festival, contributed works for Moto Magazine’s cover issue, MINI Motors, Hyundai Motors and now experiments with NFTs, AR, and metaverse related artistic practices.


“역동적인 내면의 힘과 아름다움을 찾아가는 여정”

강카라 불리는 강민석 작가는 작업 후에 남겨진 아크릴이나 휴지 조각 등을 모아 아이스크림 조각을 만들어 NFT로 발행하는 작가입니다. 잘라낸 아크릴 조각들 위에 휴지나 솜뭉치 원색의 아크릴들을 올려, 형형색색의 아이스크림을 만들어 냅니다. 우연히 아이스크림 작업을 하게 되었지만, 그 근간에는 작가를 대표하는 자동차를 소재로 한 작품세계가 있습니다. 강카 작가는 자동차의 속도와 움직임 그리고 색상을 광택있는 아크릴 물감의 역동적인 조합을 통해, 현대인의 내면의 갈등과 경쟁을 시간과 공간을 초월하는 자동차의 힘과 역동성에 빗대어 표현합니다.
자동자 작품의 남은 조각들로 표현한 아이스크림 조각은, 같은 재료와 아크릴 조각으로 전혀 다른 작품과 작품 세계를 표현한 것입니다. 경쟁과 속도에 지친 도시의 삶에서 형형색색의 녹지 않는 아이스크림은 한 번씩 찾아오는 꿈 같은 휴식과 즐거움을 표현합니다. 도시 풍경에서 시작한 강카 작가의 작품 세계는 도시인의 내면의 갈등을 거쳐 그 파편이 휴식으로 재탄생되는 작품을 통해 도시인의 삶에 관한 다양한 성찰을 하도록 해줍니다.
NFT 및 AR과 접목한 작업, 메타버스 등에서도 다양한 실험적인 방법들을 선보이고 있으며 2017 Rock과 함께하는 전남 모토페스티벌, MINI 자동차, 현대 모터스, 모토매거진 커버 작품, 등 다수의 콜라보레이션을 진행하였습니다.


By day, “BuddyBuddy” is a self-proclaimed office drone, navigating the predictable rhythms of consulting, where every day is the same and everything unfolds according to plan. By night, however, he transforms into a fervent artist, his studio apartment pulsating with the explosive beats of gangster rap and punk rock—sounds that starkly contrast his daytime persona. Blasted through headphones, these rhythms fuel his imagination during long night walks through the city to check out graffiti or spy on the “After Hours” scene—the moments after the clubs close but before the sun rises- when the streets buzz with the energy of those not ready to end the night.

The name “BuddyBuddy” harkens back to a popular messaging app from his youth, reflecting the artist’s preference for interacting behind online avatars. All grown up, his shy, reserved personality still finds solace in the digital world, where he feels most at home “After Hours,” away from the mundane reality of the office and immersed in the communities he cherishes. Inspired by graffiti legends like Basquiat and Lee Quinones and an avid collector of NFTs, BuddyBuddy is more active on Discord and other online platforms than in real life, engaging deeply with the digital art community. After reaching out to Orangehare, this exhibition marks the first time he’s shown his own canvas work in digital form, capturing the essence of those fleeting, liberating hours when the clock is all punched out.

Jeong Sang Yoon

Jeong Sang Yoon, also known as Sy_Nine, is a true maestro of emotions.
From anxiety to ecstasy, he draws inspiration from the full spectrum of human feelings, blending them together like colors on a primary palette to create a vibrant symphony of animated hues that leap off the canvas.
Unconstrained by race, gender, age, or occupation, his characters boldly wear their emotions like badges of honor, illuminating both dark and bright experiences alike. It’s this universal resonance that has garnered him recognition and collaborations with global brands like Pepsi, Adobe Tutorial, and Lays.
After all, despite our outward differences, we all perceive emotions
in the same vivid palette.


With a color palette as rich as his life story, the works of Chae Tongyull are steeped in literary symbolism and rooted in a deep appreciation for romantic adventure. Born in Busan amidst the Korean war of the 1950s, Chae has travelled the world, eventually seeking his fame and fortune within the U.S. In his twenties, he was the founder of the “Idists” movement, an expressionist group based out of New Orleans. Later, he would move to New York city to become one of the only Asian (and only Korean artists) within the East Village art scene of the 1980s, where he was a contemporary of legends such as Keith Haring and Jean-Michel Basquiat. Since 1993, he has travelled and painted extensively within the Himalayas, exploring remote regions in China, Tibet, Nepal, and India. His works gain inspiration from a diverse range of classic artistic and literary traditions: the prose of Shakespeare, mysterious legends from Korean folklore, the eccentric brushstrokes of Chinese Calligraphy master Pa-Ta-Shan-Jen, Buddhist philosophy, and much more. Because of their rich texture and unique subject matter, his art has been praised and collected for its value in straddling both American and South Korean cultural identities, as well as various places in between.
He has participated in various international exhibitions including within the Bronfman Center in Montreal, Saatchi & Saatchi in NYC, And the Beat Goes On in Shanghai and Chengdu, and are part of permanent collections within the Korean National Museum of Modern and Contemporary Art, Samsung Lium Art Museum, Daelim Art Museum, and Daejeon Expo.

1951년 부산에서 태어났으며, 20대에 미국으로 건너가 본격적으로 미술을 배우고 작가로 활동을 시작합니다. 최동열 작가는 뉴올리언스에서 표현주의 그룹 ‘Idists’을 결성하였으며, 80년대 뉴욕의 이스트빌리지(East Village)에서 활동한 유일한 한국인 작가로 장-미셸 바스키아(Jean-Michel Basquiat), 키스 해링(Keith Haring) 등의 작가들과 동시대에 활동하였습니다. 몬트리올 브롱프먼센터(Bronfman center, Montreal), 사치 앤드 사치 개관 전(Saatch & Saatch in NYC) 및 뉴욕에서 여러 전시에 참여하는 등 활발한 작품활동을 하였습니다. 1993년부터 티베트 불교미술에 관심을 가지게 되어 티베트, 네팔 등에서 직접 거주하며 작업을 하였고, 2011년부터 히말라야를 등반하며 고지에서 작업을 하며 ‘히말라야’ 시리즈를 완성하였습니다.

최동열 작가의 작품은 그와 동세대인 한국의 단색화 미술과 달리, 역동적인 북방 노마드 문화에서 한국미의 원천을 찾는 표현주의적 작품으로 미국과 한국 모두에서 독특한 위치를 점하여 주목을 받아왔습니다. 그는 또 80년대 뉴욕 이스트빌리지에서 활동한 인연으로, 2018년 서울시립미술관의 이스트빌리지 아트 전시인 〈이스트빌리지 뉴욕: 취약하고 극단적인〉전을 주최하였고, 현재도 다양한 예술 프로젝트를 운영하고 있습니다.

한국에서는 선화랑, 박여숙화랑, 필립강갤러리, 예화랑, 대구 인당박물관, 부산아트센터 등에서 개인전을 열었습니다. 그의 작품은 국립현대미술관, 삼성 리움미술관, 대림미술관, 대전엑스포 등에 소장되어 있습니다.

Kyujin Cho

“Creation of the unknown hyper-realistic world.”

“The Unknown” is a collection born from a deep curiosity about what, exactly, lurks in the deep.
Over the course of evolution, some species have honed the art of attraction, like the flower. While others, like the elusive octopus, have perfected the art of concealment. Scientists estimate that there are over five million undiscovered species on Earth, but I have a feeling that the ones we don’t see, don’t want us to see them.
With an insatiable wonder for these hidden inhabitants on our shared planet, “The Unknown” embarks on a journey to explore where these cryptic creatures lurk and what they might look like. Drawing inspiration from the natural world, my creations meld together various parts of living flora and fauna, such as flower petals, jellyfish heads, and translucent sea creatures. And although they may appear visually attractive (to us humans, at least), each component of my artwork serves a dual purpose- it must also be functional, each appendage a sharpened tool in the crucial fight for survival. (For instance, flowers petals on their bodies grant the ability to elude predators while simultaneously attracting a mate, or prey)
Although the true appearance of these undiscovered creatures remains a mystery for now, they do allow us the opportunity to let our imagination roam free. They can be big or small, under our beds or from outer space, nobody knows. But as I craft each and every artwork, I humbly embrace the unknown, and hope by bringing them to life through my animation, I also bring them to life in your imagination, as well. There are still mysteries left in this vast world of ours, and I hope you have the chance to find joy in that.


“미지의 초현실주의 창조물”

저의 작품은 깊은 곳에 무엇이, 정확히 무엇이 숨어 있는지에 대한 깊은 호기심에서 탄생한 모음집입니다.
진화의 과정을 거치면서 어떤 종은 꽃과 같은 매력의 기술을 연마했습니다. 찾기 힘든 문어와 같은 다른 종들은 은폐의 기술을 완성했습니다. 과학자들은 지구상에 발견되지 않은 종들이 5백만 개가 넘는 것으로 추정하고 있지만, 저는 우리가 보지 못하는 종들은 우리가 그들을 보는 것을 원하지 않는다는 느낌이 듭니다.
우리의 행성에 숨겨진 거주자들에 대한 만족할 수 없는 경이로움과 함께, 저의 작품들은 이 신비한 생명체들이 어디에 숨어 있고 그것들이 어떻게 보일지도 모르는 것을 탐험하기 위한 여행을 시작합니다. 자연계로부터의 영감을 끌어내며, 제 창작물들은 꽃잎, 해파리 머리, 그리고 반투명한 바다 생물들과 같은 살아있는 식물과 동물의 다양한 부분들을 하나로 합쳤습니다. 그리고 비록 그것들이 시각적으로 (적어도 우리 인간에게는) 매력적으로 보일지도 모르지만, 제 작품의 각 구성 요소들은 두 가지 목적을 수행합니다- 그것은 기능적이어야 하며, 각 구성요소는 생존을 위한 결정적인 싸움에서 날카로운 도구가 되어야 합니다. (예를 들어, 그들의 몸에 있는 꽃잎은 짝이나 먹이를 유혹하면서 동시에 포식자들을 피할 수 있어야 합니다.
비록 아직 발견되지 않은 생명체들의 진짜 모습은 현재로서는 미스터리로 남아 있지만, 그것들은 우리에게 상상력을 자유롭게 펼칠 수 있는 기회를 줍니다. 그것들은 크거나 작을 수도 있고, 우리의 침대 밑이나 우주에서 온 것일 수도 있지만, 아무도 모릅니다. 하지만 제가 모든 예술작품을 만들면서, 저는 겸손하게 미지의 것들을 받아들이게 되고, 저의 애니메이션을 통해 그것들을 살아나게 함으로써 여러분의 상상 속에 또한 그것들을 되살리게 됩니다. 하지만 저는 작품 하나하나를 만들면서 미지의 것을 겸허하게 받아들이고 제 애니메이션을 통해 그것들에 생명을 불어넣음으로써 여러분의 상상 속에서도 새로운 생명으로 되살아나기를 바랍니다. 이 광활한 세상에는 아직 미스터리가 남아 있고, 저는 여러분이 그 안에서 기쁨을 찾을 수 있는 기회가 있기를 바랍니다.

Ramadhani Mangula

From a creative co-op in Tanzania emerges “Savannah Stories” by Ramadhani Mangula, a vibrant interpretation of some of East Africa’s most magnificent wildlife as told by a master of the TingaTinga art form. As one of the lead organizers for TingaTinga Arts Collective in Tanzania, Mr. Mangula has dedicated his life to passionately preserving and promoting this unique artform for a global audience. Through “Savannah Stories,” he now serves as both storyteller and artist, weaving a narrative that links new appreciators to the bold colors and rich traditions of Tanzanian TingaTinga.

With each purchase, you contribute your own voice to this movement’s global narrative, and connect yourself to a Tanzanian tradition that remains unbroken six decades after it was founded.

탄자니아의 한 창작 협동조합에서 Ramadhani Mangula의 “Savannah Stories”가 등장합니다. 이는 TingaTinga 예술 형식의 대가가 전하는 동아프리카의 가장 아름다운 야생 동물을 생생하게 해석한 것입니다. 탄자니아 TingaTinga Arts Collective의 주요 조직자 중 한 명인 Mangula 씨는 전 세계 관객을 위해 이 독특한 예술 형식을 열정적으로 보존하고 홍보하는 데 일생을 바쳤습니다. 그는 “Savannah Stories”를 통해 이제 스토리텔러이자 예술가로 활동하며 탄자니아 TingaTinga의 대담한 색상과 풍부한 전통에 새로운 감상자를 연결하는 내러티브를 엮습니다.

구매할 때마다 귀하는 이 운동의 글로벌 서사에 자신의 목소리를 내는 데 기여하고 탄자니아 전통이 설립된 지 60년이 지난 후에도 깨지지 않고 남아 있는 전통과 연결됩니다.


Boyane Zelechowski (AKA “Boyane”) is Seoul-based graffiti artist who has proven himself a significant influence on Korea’s international graffiti scene. Originally from France, Boyane brought a fresh perspective to the Korean streets when he moved to Seoul with his Korean wife over a decade ago, captivating audiences with his vibrant illustrations and a skillful interplay of contrasting colors. His work seamlessly integrates with the historical charm of Seoul’s streets, buildings, and exterior walls, quickly establishing Boyane as a leading figure in Korea’s street art scene.

While initially influenced by European subcultures, Boyane’s artistic evolution took an intriguing path as he immersed himself in Korean culture. His distinctive style, characterized by intricate patterns and oriental hues, effortlessly evolved to incorporate Korean traditional elements, reflecting the cultural richness of his adopted home. Boyane continues to take on new challenges based on his innate artistic sense and illustration ability, and in addition to murals, has participated in numerous international exhibitions, illustrations, and corporate projects.

10년전 한국인 아내와 결혼하며 한국 스트리트 아트씬에 나타나, 유럽 언더그라운드 카툰풍의 그래피티를 유행시키며 한국에 일러스트 그래피티, 외국인 그래피티 아티스트 시대를 연다. 그의 강렬한 일러스트 그리고 이와 대비되는 절제된 색체 구성은 서울의 오래된 거리, 건물, 외벽들과 묘한 조화를 이루며 단숨에 그를 한국을 대표하는 스트리트 그래피티 아티스트의 한 사람으로 올려놓았다.
프랑스 태생인 보얀 작가는 유럽의 서브컬쳐 스타일의 작업을 주로 하였는데, 동양적 색체와 캐릭터가 엉겨 패턴처럼 보이는 특유의 작품 스타일은 한국에 거주하며 자연스레 한국의 전통적 패턴과 오브제를 차용한 스타일의 작품들로 나아가게 해 주었다. 그는 타고난 예술적 감각과 일러스트레이션 능력을 바탕으로 작품의 새로운 도전을 이어가며, 벽화 외에도 다수의 전시 및 일러스트레이션, 기업 프로젝트 등에 참여하고 있다.

Oni Balogun

Oni Balogun (b.1993) is a visual artist born and based in Lagos, Nigeria. His style of work explores the use of abstract and semi-abstract forms enforced by his use of geometric shapes and lines. Influenced by his love for Pop Art, Oni employs his cubist style while examining Afro-culture and the Afrocentric experience.

“I am captivated by the passage of time, its unstoppable flow, and the significance found in seemingly insignificant moments. My artistic practice revolves around freezing these fragments of time, creating a sanctuary within my work. Solitude and beachscapes are my recurring subjects, as they provide the calm settings where I find solace and inspiration.

Through introspective exploration, I strive to reconnect with both past and future moments. Themes of individuality, leisure, and social commentary permeate my art, offering a fresh perspective on the bustling chaos of Lagos, my home. By capturing these moments and exploring their inherent beauty, I aim to invite viewers to pause, contemplate, and appreciate the transient nature of life.

“My ultimate goal is to create an immersive experience that allows for introspection and reflection. Within this space, I invite viewers to delve into the essence of time, embracing the fragments that shape our existence. Through my art, I seek to evoke a sense of tranquility and invite others to discover the significance in the simplicity of life’s fleeting moments.”

Joon Choi

After studying in Japan and honing his skills as a professional photographer in the United States, Joon Choi returned home to Korea in 1988, where his near-flawless preparation and distinctive textural sensibilities catapulted him to become a top-tier photographer. Soon, he was handling advertising campaigns for major domestic brands such as Samsung, LG, SK, Lotte, and more, earning him the title of a legend in the Korean advertising industry with over two decades of experience. After a chance encounter with some relics, he embarked on a journey to embrace the everyday imperfection he witnessed outside his sterile studio and allow nature and chance to shape his craft. The result has been nothing short of magnificent, and he has since produced some of his life’s best work, including profiling the “Gilt-bronze Pensive Maitreya Bodhisattva’ and taking portraits of Jeju Island’s elder female divers (Haenyeo). Since making this transformation to commercial photographer to artist, Joon Choi has held solo exhibitions at the Busan Museum of Art, Seoul Museum of Art, Fukuoka National Museum, Miyazaki Provincial Museum of Art, and UNESCO in Paris, and has participated in a number of group exhibitions, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea.

His latest “Frozen Flowers” series is a continuation of his artistic journey into more abstract, but honest, territory, and aimed at getting closer to the artist’s own truth about the deep paradoxes of life we all witness and participate in.

준초이 그는 한국 광고 사진계의 전설이자, 새롭게 작가주의 사진가로 거장의 길을 걷고 있는 사진작가이다. 국내 광고계에서 20년 이상 정상의 자리를 지켜오다 우연히 시작한 유물 촬영은 그를 작가주의 사진가의 길로 이끌었다. 처음 낯설기만 했던 유물에서 그는 축적된 시간을 발견하기 시작했고, 이렇게 그의 대표작이 된 미륵반가사유상 그리고 제주도 해녀의 사진은 특유의 시간과 역사를 담아내며, 국내외 박물관 순회 전시를 거쳐 그를 거장의 반열에 올려놓았다. 그의 최근작인 ‘얼음꽃’ 시리즈는 직접 얼린 꽃을 사진에 담아내는 작업으로, 찰나와 영원 그리고 멈춤과 움직임의 이율배반을 통해 삶과 작가 자신의 진실에 더 다가가는 것을 목표로 근래 작가가 천착하고 있는 작업이다.

일본 유학과 미국에서 사진작가 활동을 거쳐 88년 한국에 귀국한 준초이는, 완벽에 가까운 사전준비와 특유의 텍스처의 감각으로 국내 대기업의 광고를 도맡아 하며 최고가의 사진작가로 설 수 있었다. 지금은 완벽한 사진에서 벗어나 자연과 우연에 사진을 내맡기며 오히려 대상이 가진 이야기를 더 진솔하게 드러난다. 동시에 그 특유의 텍스처의 감각은 피사체 이면의 깊이를 더하며 그의 작품은 명상과 성찰로까지 관객을 초대한다.

준초이는 부산시립미술과, 서울시립미술관, 후쿠오카 국립박물관, 미야자키 도립미술관 그리고 파리 유네스코에서 개인전을 개최하였으며 한국 국립현대미술관을 포함 다수의 단체전에 참여했다. 또 국내 삼성, LG, SK, 롯데 등 굴지의 기업들의 광고 사진을 담당했다.


“Capturing the Nobel Values of Everyday Life”

With a career that spans nearly two decades, Choi Jung Hyun (aka CJroblue) is a celebrated illustrator and artist whose contributions to NFT history in Korea is nothing short of indispensable. Drawing inspiration from the rich tapestry of daily life in Seoul, CJroblue masterfully captures fleeting moments often overlooked by busy city-goers, and channels them into emotionally charged artworks that force us to linger on the small things.
At the heart of CJroblue’s artistic endeavors is a mission to convey healing and comfort to viewers about their own everyday lives. Through his artwork, he unveils the sublime beauty hidden within the ordinary, and invites audiences to explore the emotions, memories, and connections that lie hidden just beneath the surface. In doing so, he hopes we can see the small things more clearly, and each other with greater interest and empathy.
Beyond his own art, CJroblue boasts an impressive collaboration history with numerous domestic and global brands, including contributing illustrations for Warner Bros Korea’s “Harley Quinn: Birds of Prey” as well as Hyundai, Rolls-Royce, LG subsidiaries, Adobe, Toyota, Samsung, and more.


“일상의 고귀한 가치를 담아내다”

CJroblue라 불리는 최정현 작가는 지난 20년 가까이 한국에서 스타 일러스트레이터이자 작가로 활동해 오며 한국의 NFT 역사에서도 빼놓을 수 없는 아티스트입니다. 우리들의 ‘일상’ 혹은 도시에서의 하루하루에서 주로 영감을 얻으며 살아가면서 누구나 겪지만 흔히 넘길 수 있는 근본적인 감정의 순간을 기록하듯 작품으로 담아냅니다. 또한 보이는 것 너머의 진정한 가치와 변하지 않는 아름다움의 위대함을 발견하고 찾아서 작품을 통해 전달하고자 많은 노력을 합니다.
감상자들에게 힐링과 위로를 전하고 싶어하는 최정현 작가의 작품은 그 만의 주제와 독보적 화풍으로 감상자들 자신의 경험을 작품에 대입시키게하여 감정이 움직이고 ‘공감’이라는 울림을 줍니다. 그래서인지 그의 작품은 체온의 온도가 느껴지듯 작품이 따뜻합니다.
또한, 최정현 작가는 다수의 국내 및 해외 글로벌 회사들과 브랜드들 등과 화려한 콜라보레이션 경력이 있습니다. 워너 브라더스 코리의 버즈 오브 프레이(Harley Quinn: Birds of Prey)의 홍보용 일러스트 작품과 현대자동차, 롤스로이스, LG 계열사 홍보용 작품, Adobe, 도요타, 삼성, 한국의 유명 뮤지션들 앨범 표지 작품까지 모두 열거하기 어려울 정도의 화려한 경력을 가지고 있습니다.

Klara of the Laughing Roses

Composed in near secrecy and complete anonymity over the course of ten years, “Klara of the Laughing Roses” emerges as an enigmatic artist whose work is shrouded in mystery. As an art teacher from the sleepy southern town of Daegu, Korea, she spent nearly a decade of nights in quiet devotion to her craft, diligently blending molten beeswax and pigment onto wood, showing her creations to no one. The result is a collection as unsettling as it is alluring.
Although “Klara of the Laughing Roses” is certainly not a household name in the art world (nor even her real name), we often forget the empowering nature that being an artist on Web3 can have, especially for members of historically unrepresented backgrounds in the visual arts. Remote villages, lack of art education, and even gender and generation all play a role in who gets “seen.” And although NFTs give artists the ability to craft their own identity and sell their own story behind a veil of secrecy, their motives entirely their own, the space is not immune to issues of access.

Billed as an egalitarian space where all creators are “created equal,” OrangeHare believes in the potential of NFTs to break barriers, and is committed to giving voices to those who, for whatever reason, may not have been heard clearly- including “Klara of the Laughing Roses.”

All works are original encaustic on wood creations assisted in production by MidJourney.

만개한 장미의 클라라

10년에 걸쳐 거의 비밀리에 완전한 익명으로 작품을 완성한 “웃는 장미의 클라라”는 작품이 미스터리에 싸인 미스터리의 예술가입니다. 한국의 대구에서 미술 교사로 활동하는 그녀는 직접 밀랍과 색소를 녹인 전통방식의 밀랍 작품을 누구에게도 공개하지 않고 거의 10년의 시간 동안 밤 시간을 이용해 조용히 창작해왔습니다. 10년의 보이지 않는 헌신으로 매혹적인 컬렉션이 탄생했습니다.

비록 “웃는 장미의 클라라”가 확실히 예술계에서 누구나 아는 이름은 아니지만, 우리는 Web3에서 예술가에게 힘을 실어주는 능력, 특히 시각 예술에서 전통적인 권위의 배경을 갖지 않은 이들에게 예술가로서 권위를 부여하는 능력을 종종 잊곤 합니다. 외딴 마을, 부족한 예술 교육, 그리고 심지어 성별과 세대 모두는 “보여지는데” 필터 역할을 합니다. 그리고 NFT가 예술가들에게 그들만의 정체성을 만들고 그들의 작업의 동기가 되는 그들만의 이야기를 판매할 수 있는 능력을 부여하지만, NFT의 공간은 접근의 문제에 영향을 받지 않습니다.

모든 창작자들이 “평등하게 만들어지는” 평등주의적인 공간으로 묘사되는 오렌지헤어는 NFT가 장벽을 깰 수 있는 잠재력이 있다고 믿으며, “웃는 장미의 클라라”를 포함하여 어떤 이유로든 명확하게 들리지 않았을 수 있는 사람들에게 목소리를 제공하는 데 전념하고 있습니다.

모든 작품들은 미드저니의 제작에 도움을 받은 독창적인 밀랍 작품을 기반으로 하였습니다.

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